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miércoles, 22 de febrero de 2017

EL MISTERIOSO MAESTRO FLEMALLE Y LAS TRAMPAS DEL DIABLO


En 1898,un grupo de tablas flamencas, de las que se desconocía el autor,  procedentes  del castillo de Flemalle, cerca de Lieja, fueron atribuidas de forma genérica al  "Maestro de Flemalle". Se abre entonces uno de los grandes interrogantes de la pintura flamenca: descubrir quién estaba detrás de este pintor anónimo.El misterio se resuelve en  1909 cuando se  identifica al Maestro de Flemalle con Robert Campin, teoría que se mantiene hasta nuestros días.
"Tríptico de Merode ".Robert Campin.Metropolitan Museum NY.Óleo sobre tabla
 Se trata de un pintor que inicia la nueva pintura flamenca, con óleos sobre tabla que plasmando   los más mínimos detalles, rodea a sus personajes de objetos de la vida diaria pero cargados  de simbolismo, que otorgan un aspecto profano a sus obras.  Se preocupa especialmente  por la luz y el sentido espacial.Está documentado  que en Tournai  dirigió, entre 1410 hasta 1440, un importante taller  y que entre sus numerosos aprendices, estuvieron  Roger van der Weyden y Jacques Daret. Entre 1425 y 1430 pinta el "Tríptico de Merode o tríptico de la Anunciación", donde se pueden observar las principales características de la escuela flamenca de la que se considera fundador.


En la tabla de la derecha aparece San José en su taller.Con una perspectiva un tanto forzada, San José, caracterizado como un noble patriarca, ocupa un escaño rematado por un celosía, mientras se ocupa en realizar taladros en una tabla con un berbiquí. Ante él se coloca una mesa de trabajo sobre la que aparecen numerosos útiles de trabajo descritos con detalle, como una barrena, un martillo, unas tenazas, un formón, una cuchilla, clavos, virutas, etc., que se complementan con la sierra y el hacha de la parte inferior. San  José  está ocupado en elaborar una ratonera, una trampa para el diablo, según las interpretaciones que se hacían de la biblia en el siglo XV. Se creía que para evitar que el Niño Jesús fuese concebido, el diablo había concentrado su atención en José, sin embargo, habría sido un cebo celestial para engañar al demonio, manteniéndolo entretenido mientras el anuncio del ángel y el sí de María cambiarían la historia , el diablo habría caído en una ratonera. Otros autores más eruditos,afirman que las ratoneras son alusivas a la cita de San Agustín: «La cruz del Señor era la ratonera del diablo; el cebo por el que fue capturado fue la muerte del Señor». Otra ratonera también aparece colocada en el exterior de la ventana, adquiriendo de nuevo el significado de un cebo para capturar a Satán, Las interpretaciones de la Biblia que se hacían por aquellos tiempos contaban que para evitar que fuera concebido el niño Jesús, el Diablo había fijado su atención en san José, pero sin embargo en una jugada maestra planeada por Dios, el carpintero había sido el cebo para engañar al demonio, o sea que el mismo Diablo había caído en una ratonera. Pero hay además otros detalles originales, como
el modo de sustentar abiertas desde el techo las puertas y ventanas del taller, dejando visible al fondo una sugestiva panorámica urbana con un caserío de tipo flamenco, dos grandes iglesias y pequeños personajes deambulando por las calles. 
Robert Campin muestra además  en la escena toda una variedad de elaboradas texturas para reproducir distintas maderas de los muebles, del zueco de San José, troncos y virutas, piezas metálicas del hacha y de la sierra,es tan minucioso que vistos de cerca los clavos de las ventanas que  se sujetan al techo tienen marcas de herrumbe. Virtuoso también el modo de tratar las texturas de la ropa del santo .

Las tres tablas fueron pintadas por encargo del matrimonio Engelbrecht,  que aparece retratado en la tabla izquierda como donantes, concebidas para la oración privada del matrimonio que pasarían horas frente a él recreándose en los detalles de la ambientación doméstica con todo su simbolismo y de las ciudades al fondo, más allá de puertas y ventanas.
La parte central describe la Anunciación , su tamaño es el doble de las otras dos que actuaban como batientes que podían cerrarse sobre la principal.

 Robert Campin .Tríptico de Merode .La anunciación .óleo sobre Tabla .64x63 cm.

En esta  tabla central está representado el momento en que el arcángel San Gabriel se aparece a la Virgen para anunciarle que será madre del Mesías, pero María aún no se ha apercibido de la presencia del ángel. Todos los elementos ambientales, que son numerosos, han sido elegidos cuidadosamente para reproducir un interior doméstico verosímil, aunque cada uno de ellos adquiere un valor simbólico relacionado con el contenido de la escena. El espacio reproduce una característica estancia nórdica,tal vez la propia casa de los donantes, la habitación  tiene  una ventana y una alacena al fondo, dos óculos con vidrieras a la izquierda y una gran chimenea a la derecha, con el pavimento enlosado y una techumbre de madera.
La Virgen aparece recostada sobre un banco y sumida en la lectura de un libro sagrado que protege con un paño blanco. En el siglo XV los libros eran un artículo de lujo, las cubiertas se trabajaban con incrustaciones de oro y en ocasiones piedras preciosas de ahí que se protegiesen con un paño al leerlos.Viste una amplia túnica roja que alude al misterio de la Encarnación, con un juego de pliegues cuyos brillos forman una estrella ( una de las advocaciones de la Virgen es la de estrella de la mañana),los pliegues  desparramados por el suelo y minuciosamente tratadas las sombras, se convertirán en una seña de identidad de la incipiente pintura flamenca,,se repiten en la blanca vestidura del arcángel, que aparece vestido como un diácono oficiante, de modo que el hecho adquiere un carácter sacramental de tipo eucarístico que es reforzado por la presencia de una mesa en el centro a modo de altar.
  El pelo de ambos personajes está pintado mechón a mechón, dotando de gran realismo a los rostros, a su vez muy expresivos, el de María concentrada en la lectura, el del ángel con la serenidad y alegría de la buena nueva que traerá su anuncio. 
En los remates del largo banco en que se apoya la Virgen, dispuesto en escorzo, se aprecian unos remates en forma de pequeñas figuras de leones que le confieren el sentido simbólico del trono de Salomón o trono de la Sabiduría, recordando la estirpe de María. Nuevas referencias al Antiguo Testamento pueden ser los dieciséis lados de la mesa, alusivos de los principales profetas hebreos, lo mismo que el rollo con las antiguas profecías que cuelga en ella, sobre el que se coloca el Nuevo Testamento con las páginas abiertas indicando el nacimiento de un tiempo nuevo, señalando el fin de la antigua ley la vela que se apaga con el batir de las alas del ángel, virtuosismo en la forma en que está tratado el humo de la vela recién apagada. El jarro de azucenas representa la virginidad de María, el elemento más convencional de la escena.Un vaso dorado cuelga al fondo, siendo otra advocación mariana la de "vaso de oro"e oro.Menos frecuente es la representación del mensaje divino mediante la pequeña figura del Niño Jesús que portando una cruz ha atravesado el cristal de uno de los óculos "sin romperle ni mancharle".


La tabla izquierda está reservada a los donantes, que aparecen arrodillados ante la puerta de su vivienda, en la que se produce la escena evangélica, según se deduce de los blasones que aparecen en los vitrales de la tabla central. Se trata del matrimonio Petrus Engelbrecht y su esposa, acomodados comerciantes de paños y lana, con negocios en Amberes, Malinas y Luxemburgo. Petrus Engelbrecht y su hermano Hendrik estuvieron implicados en el asesinato de un sacerdote relacionado con uno de sus socios en el negocio, hecho por el que el socio fue ejecutado y los hermanos Engelbrecht encarcelados en Colonia, hasta que fueron liberados, por mediación del duque de Borgoña y el obispo-príncipe de Lieja, bajo el juramento de vivir en paz, siendo reflejado su castigo en un blasón impuesto con una cadena en forma de "V" invertida sobre las armas familiares.

Junto a Petrus Engelbrecht también aparece postrada su primera esposa, dama natural de Colonia cuyo apellido —Schrinemecher (carpintero)— pudo determinar la elección de la escena de la tabla derecha. Era miembro de un rica familia y tras su fallecimiento Petrus Engelbrecht llegaría a contraer nuevas nupcias en dos ocasiones más, una con Heylwich Bille, de Breda, y otra más con Margareta Kempenere, a la que dejó una importante fortuna.
Los esposos donantes se ubican en un patio que precede a la entrada de su residencia, rodeado de un muro almenado en el que se levanta un cuerpo de guardia sobre la puerta, junto a la que aparece un personaje barbado caracterizado como un mensajero ciudadano, en consonancia con el cometido del arcángel de la tabla central. De esta figura el  historiador Helmut Nickel afirmó en 1966 que había sido añadido a la pintura original. Tras la puerta se vislumbra de nuevo un rincón urbano de Malinas, con ciudadanos en las viviendas, una mujer cosiendo en la calle y un  hombre a caballo transitando por ella.    
Creo que queda resumida la maestría y originalidad de este pintor, muy conocido en su época , pero eclipsado en la historia del arte por sus discípulos.
Tiene otras obras fascinantes como  "la Virgen de la pantalla"; " La Natividad", considerada una de sus obras maestras y clave para entender su estilo artístico, "los desposorios de la Virgen"o el "tríptico de Werl" con grandes similitudes con la aquí estudiada y que recoge el espejo convexo como haría Van Eyck en el Matrimonio Arnolfini". Dejo un  video para profundizar más.





viernes, 17 de febrero de 2017

SOROLLA, LA MIRADA DE UN VIAJERO


Sorolla .Autorretrato
Exposición "Tierra Adentro"

Fundación Barrié de la Maza .
La Coruña.
Hasta el 26 de febrero de 2017.

Si algo identifica la pintura de Sorolla es su trabajo al aire libre y en plena naturaleza. Los escenarios de luz intensa de las costas de Valencia y Levante son su referente más conocido;pensamos en Sorolla y enseguida nos vienen imágenes de paisajes pintados a la orilla del mar, vestidos blancos y luz cálida del Mediterráneo. Pero hay un Sorolla más "desconocido" que pinta "tierra adentro", son paisajes de enorme calidad e importancia: estos paisajes interiores sitúan a Sorolla en el contexto general de las inquietudes artísticas del realismo final y también de las corrientes intelectuales renovadoras de la Institución Libre de Enseñanza  y los regeneracionistas españoles.
Sorolla con su esposa Clotilde, pintando al natural.
 
 Sorolla estudió en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, donde ingresó con solo 15 años, allí, estudia el realismo francés y los  “macchiaioli” italianos;  en sus viajes a París entró en contacto con las versiones realistas del “luminismo”, el impresionismo y el postimpresionismo, que él integró a su manera, dentro de la particular estética renovadora del paisaje español de su tiempo.    Tras la fracasada Revolución del 68 y el desastre colonial, tanto los pensadores como los artistas contemporáneos de Sorolla buscaron una imagen nueva de país, alejada de la representación historicista de las glorias pasadas, y la encontraron en el puro paisaje, tanto en las regiones de la periferia peninsular como en la meseta central y de Castilla; en ésta particularmente se descubrió una estética geológica del suelo -según término de Giner- y un espiritualismo en línea con el gusto decadentista europeo. Para ellos, Castilla -sobria, austera y trascendente-  sería la imagen más auténtica de la nación.
Las Covachueleas.Toledo, 1906
 Inmerso en aquella cultura, y en contacto con gran parte de sus protagonistas, Sorolla dio nuevas versiones a los diversos paisajes españoles, profundizando en su nuevo sentido y significación, desde los de la Alhambra deshabitada a aquellos de los campos desolados y viejas ciudades castellanas, que descubrió en compañía de Aureliano de Beruete, magnífico pintor de paisaje e ilustre institucionista.

Hoy os comento una exposición de paisajes de Sorolla que vi el finde pasado en La Coruña, está  dedicada a estos paisajes que pintó Sorolla en su recorrido por España .Son  67 cuadros y se divide en cuatro apartados:

PRIMERO- MITOLOGÍA REGIONALISTA Y NATURALEZA
  • Después de formarse en Valencia, donde sus maestros lo animaron a pintar del natural, y tras sus años de estudio en Italia, Sorolla se estableció en Madrid, pero nunca dejó de pasar temporadas en Valencia, donde la temática de sus obras de juventud representa el interés por lo popular que fue característico del fin de siglo. Los pinceles de Sorolla se centran en su ciudad, en el puerto de Valencia, en sus playas, sus plazas y puentes y no olvidan el campo valenciano: la huerta, las alquerías y las barracas con su peculiar arquitectura popular.

Valencia.Puente del Real.1908
 
Segundo-Sorolla en verde y gris 
Paisaje de Guipuzcoa.1911
Paisaje de San Sebastian
  • Sorolla viajó durante muchos veranos al norte de España.
  •  En Asturias, (concretamente en  Muros del Nalón),   se unió a la colonia de paisajistas que había organizado el pintor asturiano Tomás García Sampedro siguiendo el modelo de la escuela francesa pintura al pleinair de Barbizon. Y con su familia pasaría muchos veranos en San Sebastián, Zarautz y Biarritz.En el norte, la luz más gris del Cantábrico y los verdes brillantes de los prados de Asturias dieron  a su pintura otras tonalidades.
  •  Algunas de las escenas son de la realidad cotidiana, de gran belleza plástica,  íntimas, momentos de quietud como en "Paisaje de San Sebastian"o de descanso, como en  " la siesta" donde el pintor capta el momento veraniego desde una perspectiva original, los verdes brillantes de la hierba soleada contrastan con las sombras más oscuras y las ropas blancas de la familia del artista que duerme o lee ajena a su mirada.
  • La Siesta.1911( detalle)
Tercero La invención de Castilla como emblema nacional
 

Sorolla recorrió Castilla en múltiples viajes y se unió a la fascinación por su paisaje que sintieron los escritores de la Generación del 98. Un paisaje inexplorado hasta entonces como tema en la pintura, pero que emocionaría a toda una generación de escritores y artistas con el descubrimiento de su carácter sublime y su poética del vacío.
Sorolla representa Castilla sin perder su natural sensibilidad para la captación de la luz y sin dejar de hacer "Sorollas".

 Pinta sus ciudades monumentales -Toledo, Ávila, Burgos-( magníficas sus  catedrales nevadas) y también su naturaleza, centrándose en las nubes y sus transformaciones, y en las luces cambiantes del cielo.Como en este magnífico "arcoiris"(mi favorito de esta exposición junto con "la siesta").En foto no se aprecia, pero en persona ver ese arco iris cruzando el cielo emociona
Sorolla.El Arcoiris.El Pardo 1907


 


 
La Alhambra.1909
 
CUARTO 
La “España blanca”  una versión moderna de la invención romántica 
 
Durante un rápido viaje en 1902 llega Sorolla por primera vez a Andalucía, a la que habría de volver muchas veces en los años sucesivos.

 
Alejándose del tópico todo lo posible, Sorolla busca la autenticidad de aquellas tierras. En Sevilla pinta sus jardines, pero  también los paisajes insólitos de sus zonas secas donde solo prosperan las chumberas; en Jerez, los inmensos viñedos que le ofrecen un puro espectáculo de color. Granada le impacta profundamente: a sus barrios, a su Sierra Nevada y a la Alhambra dedicó hasta 47 paisajes en tres viajes en 1909, 1910 y 1917, siempre a finales del otoño o en pleno invierno, siempre solitarias, melancólicas, con la hondura de una visión enteramente personal.

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Recomiendo pasar por la exposición y contemplar personalmente la luz que trasmiten estos cuadros más desconocidos de Sorolla. Si no es posible , pertenecen al Museo Sorolla, así que cuando estas maravillosas obras estén de vuelta en Madrid, podrán verse en la que fue casa del pintor en la calle General Martínez Campos, 37Web
http://museosorolla.mcu.es/Precio de la entrada: 3 €



jueves, 16 de febrero de 2017

Van Eyck: simbolismo y realismo en la Virgen del Canciller Rolin

Con la Virgen del Canciller Rolin nos ofrece Van Eyck una obra maestra en la historia de la pintura, mucho más que un retrato, mucho más que un cuadro religioso. Con esta obra Van Eyck despliega lo mejor de su técnica portentosa, es una de sus pinturas más complejas en lo compositivo y lo simbólico.La minuciosidad con que trata cada detalle solo es posible apreciarse mediante una observación ampliada ya que la obra es de tamaño reducido (66 x 62cm), aún asombra seiscientos años después a cualquier estudioso del arte. Todos los problemas que se plantean en siglos posteriores se encuentran ya aquí: la luz exterior e interior, el paisaje y la figura humana, lo real y lo simbólico, la forma y el color, las texturas y materiales.
Jan van Eyck.La Virgen del canciller Rolin.Oleo sobre tabla.66cm x 62.Museo del Louvre.

A simple vista se trata del retrato de un hombre orando ante la Virgen coronada por un ángel, en el interior de una capilla, situado en el mismo plano que ésta, en simetría, ella sentada en un cojín de ricos brocados, sobre un banco de madera, él sobre un reclinatorio.La galería de columnas se abreen primer lugar a un jardín, seis escalones conducen a una muralla de un castillo que está en alto, de modo que desde él se percibe un paisaje sobre una ciudad y luego sobre una campiña cruzada por un río serpenteante y muy al fondo montañas nevadas.
La perspectiva presenta un único punto de fuga en el horizonte, la lejanía se logra mediante las losas del suelo, las columnas, el punto de vista elevado y el color que se atenúa en la lejanía y se intensifica en los planos cercanos.




Solo si nos acercamos a los detalles descubriremos animales simbólicos, personajes que pueblan plazas y mercados, que asisten a la iglesia, campesinos que trasportan  sus mercancías en carros, una casa que arde, un castillo defendido por centinelas, gentes que viajan en barca, mujeres que se reúnen en sus casas, monasterios, viñedos.

Sería muy extenso referirme a cada detalle, me centraré en algunos que me fascinaron.

El canciller Rolín.Es retratado con gran realismo.El pelo cortado a la moda de entonces, rapado en los laterales.Las venas palpitando en sus sienes, la mirada desafiante y orgullosa, un hombre enérgico,que levanta la vista de su misal y mira a la Virgen sin asombro.Viste ricamente una túnica brocada rematada en visón, y ceñida con  un cinturón con hebilla de oro, reza ante un misal miniado, un verdadero artículo de lujo, el separador de hojas es una joya de oro y perlas. Se resalta la riqueza del personaje, el más poderoso en la corte después del duque de Felipe el Bueno. Debajo de él pavos reales, símbolo de lo eterno, pero también animales orgullosos.Viñedos, iglesia  y un monasterio como los donados por el canciller a su ciudad natal de Autun. Por primera vez en la Historia del arte el personaje del donante aparece del mismo tamaño que el personaje celestial, se sitúa a su altura en vez de debajo de un altar, mira de frente y no hacia arriba .
Algunos críticos señalan que es un monumento a la soberbia de Rolín, una osadía sin precedentes. No estamos ante un alarde de soberbia del canciller.Los rayos infrarrojos revelan en la pintura inicial una faltriquera repleta de monedas que luego fue suprimida en la versión final.Además los rayos infrarrojos revelan otra modificación : el niño Jesús está bendiciendo al canciller, en la versión original no. Sin duda esto fueron correcciones sugeridas por el cliente. Nicolás Rolín aparece sí,  satisfecho de si mismo,razones tenía.De origen humilde, se hace a sí mismo, primero fue abogado de Juan sin Miedo, tras su asesinato, es nombrado canciller por su hijo, Felipe el Bueno y ahor  está en la cumbre de su éxito político,un año antes de pintarse este cuadro gracias a su intervención , Borgoña  firma el tratado de Arras.Pero en la mentalidad de la época, no estaba reñido el ser poderoso con ser religioso.El cuadro estaba destinado a la capilla particular del  palacio del canciller.Posiblemente rezase sinceramente a diario ante esta Virgen una vez terminada.


Detalle del retrato del canciller Rolin

Se ha especulado mucho sobre si es real el  paisaje que se ve tras los personajes, algunos ven la ciudad de Lieja, Utrech o la misma Autun,  pero cabe concluir  que   más bien  se trata  de una ciudad ideal construida a partir de edificios que podrían basarse en edificios reales con significado en la biografía de Rolín. Por ejemplo,así como los viñedos y monasterio aludirían a Autun,  el  puente alude al puente de Montereau donde fue asesinado Juan Sin Miedo,del que Rolín era abogado y que más adelante  entró en el acuerdo de paz (Tratado de Arras) que el canciller Rolin logró entre Borgoña y Francia.
 Las ventanas de las casas, las hojas de los árboles, las huertas, la plaza con su gente, los milimétricos personajes del puente, sus reflejos en el agua, sus carruajes, cada uno vestido diferente, solo pueden apreciarse mediante una ampliación mayor de la imagen , sin duda pintados con filamentos especiales  y la nueva técnica de pintura al óleo, una técnica basada en la disolución de pigmentos en aceite, que fue perfeccionada por los hermanos Van Eyck, hasta el punto de que llegó a atribuírseles erróneamente su invención. El óleo presenta claras ventajas sobre la pintura al temple que era la técnica usada hasta entonces:es más transparente y luminoso, por ello permite un mejor tratamiento de la perspectiva, del aire y de la luz; al ser más consistente, los objetos se pueden representar con mayor exactitud; y seca más despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego, algo que Van Eyck necesitaba para pintar sus microscópicos detalles. 


Detalle del paisaje con el puente.
A la derecha, tras la Virgen María,  el paisaje es más urbano, lleno de iglesias, con una catedral, se aprecia la gente en las escalinatas, dirigiéndose a misa y un mercado en la girola, con sus puestos y vendedores.

Detalle del paisaje urbano
Hay estudiosos que ven una alegoría de la ciudad de Dios de San Agustín. De nuevo el magnífico preciosismo en el detalle, recordemos que todo se concentra en pocos centímetros como en  las miniaturas medievales, pero con una precisión nunca lograda hasta este momento, gracias al óleo y al talento de Van Eyck.
En jardín interior de las murallas alegoría del huerto bíblico que alude a la virgen María, las flores también símbolos de la pureza de María, azucenas,lirios blancos ...lo que a mi me intriga y no he encontrado explicación es a esos conejitos aplastados en la base de la columna, como queriendo escapar del peso de la misma...
Otro elemento interesante son los capiteles de encima del canciller, se pueden apreciar distintas escenas del Antiguo Testamento,como la expulsión de Adán y Eva del Paraíso,el asesinato de  Caín y Abel o Noé borracho y desnudo tapado por uno de sus hijos, unos dicen que es una advertencia del pintor al canciller por sus pecados, otros que un contraste entre la humanidad pecadora  del Antiguo Testamento y el mundo de virtud y gracia de Dios que instaura la venida de Dios y que encarna la Virgen María como primera persona de la humanidad inmaculada y sin pecado original.Yo me inclino por esta última interpretación, Jan  Van Eyck era,  como Rolín , uno de los  hombres de confianza de Felipe el Bueno, formaba parte de la Corte, incluso acudió en misión diplomática a Portugal, esta faceta diplomática no casa con un desafío y casi insulto a Rolín,sugiriendo múltiples pecados cometidos por éste, en un cuadro además encargado personalmente  por él y destinado a su devoción particular.
En paralelo a Rolín y a las alusiones a su poder y riqueza, la figura de la Virgen lleva en el lujoso  manto de la  alrededor bordadas unos fragmentos bíblicos del libro del Antiguo Testamento que dicen "Soy exaltada como los Cedros del Líbano" en alusión a su Majestad y un ángel sostiene sobre su cabeza una corona cuajada de perlas y piedras preciosas.De nuevo si ampliamos vemos  detalles minuciosos, imperceptible a los ojos...la transparencia de las esmeraldas, el brillo de las perlas, el engarce,  cientos de minúsculas pinceladas.


.Las alas desplegadas del ángel recogen toda la gradación cromática del rojo y del azul, el pelo del ángel casi parece flotar, de nuevo un cuadro dentro del cuadro...




Detalle de la corona de la Virgen y del ángel

En fin, son tantos y tantos los detalles que es imposible comentarlos todos.

Para ver muchos más sobre los símbolos y secretos de esta  maravillosa e inabarcable obra  y además narrados por un  gran experto en historia del arte,Alain Jaubert, recomiendo ver el documental  " Milagro en la Logia", documental imprescindible para conocerla  de cerca ( incluso mejor que ir en persona al Louvre, donde os digo que entre los japoneses que se apelotonan y la falta de tiempo yo pasépor ella casi sin darme cuenta) :).







miércoles, 15 de febrero de 2017

Van Eyck : el misterio del cuadro el matrimonio Arnolfini.

Mira lo que prometes: ¿qué sacrificio hay en tus promesas? 
En promesas cualquiera puede ser rico.
Jan Van Eyck.Autorretrato

Durante siglos se creyó que la obra maestra de Van Eyck "el matrimonio Arnolfini",pintado en 1434, era un retrato de Giovanni  di Arrigo Arnolfini  un rico banquero de la Toscana asentado en Brujas y su esposa Giovanna Cenami.   Pero en 1990, , un investigador francés de la Sorbona, Jacques Paviot, descubre en el archivo de los duques de Borgoña el documento oficial de matrimonio de Giovanni Arnolfini datado en 1447: trece años después de que fuese pintado el cuadro, seis años después de que muriese Jan van Eyck. Caen por tierra numerosas investigaciones sobre el simbolismo del cuadro, se sostenía  por los principales historiadores ( Panofsky, principalmente) que  era una especie de "acta matrimonial", con dos testigos  reflejados en el espejo del fondo, pero si no es así,  entonces ¿quiénes son los retratados?,  ¿qué intención tiene el cuadro? ¿ qué simbolizan los objetos? .La propia National Gallery de Londres encarga un estudio de infrarrojos para arrojar algo de luz en las nuevas investigaciones...la polémica está servida.
Pero vayamos por partes.
Matrimonio Arnolfini.Oleo sobre tabla. 82cmX60cm.Londres, National Gallery
Una mirada de conjunto al cuadro muestra dos personajes  lujosamente vestidos  que entrelazan sus manos en el interior de una habitación de una  casa acomodada.La luz viene de una ventana lateral, de una lámpara en el techo y de una  tercera fuente frontal que no se ve en el cuadro . Van Eyck de forma intuitiva da sensación de profundidad mediante los tablones del suelo y el entramado de madera del techo, formando una caja perfecta.
Detalle dentro del espejo.
Al fondo un espejo, fascinante y lleno de simbolismo, como veremos enseguida , refleja deformado lo que no se ve de la habitación y en él se reflejan dos misteriosos personajes que se encuentran frente al matrimonio y al perro, en el lugar donde estamos los espectadores del cuadro.Uno de los personajes  es el propio Van Eyck ya que en la pared del fondo pone :"Van Eyck, estuvo aquí, 1934".
Este recurso genial del espejo es utilizado por Van Eyck para ofrecernos otra perspectiva, revelarnos lo que no se ve. Sería más adelante utilizado por grandes maestros,influidos por Van Eyck,  como Velázquez en sus Meninas o en la Venus del espejo. 
Tras el estudio de infrarrojos , la hipótesis más coherente es que en el cuadro los retratados son Giovanni di Nicolao, primo de Giovanni Arnolfini. De él hay constancia de que ya vivía en Brujas hacia 1419. En 1426 se casa con Constanza Trenta, de la Toscana como los Arnolfini,  tenía  trece años el día de su boda. Cuando Van Eyck pinta el cuadro, tendría unos 21 años. Constanza Trenta era sobrina de Lorenzo de Médicis.  Se conserva un documento clave en la reinterpretación de la obra de Van Eyck: en 1433, Bartolomea, madre de Constanza, escribe a su cuñado Lorenzo de Medicis una carta familiar, donde expresamente habla del fallecimiento de Constanza, un año antes de la finalización del cuadro. Todo apunta a que el cuadro se comenzó estando Costanza embarazada y que se terminó cuando ésta había muerto en el parto de su hijo.Un homenaje y un recuerdo a su esposa y al hijo perdidos.
Varios elementos  y el estudio de infrarrojos de las imágenes que fueron corregidas por el pintor en la versión final,  apoyan esta teoría( que no es la única).Todos los elementos que Van Eyck añadió sobre la marcha son los directamente relacionados con la maternidad, la fecundidad y las posibles alusiones a la muerte de Constanza,
1- El espejo.


Detalle del espejo versión final.
Espejo visto por infrarrojos
 En la versión final el marco del espejo presenta  diez escenas de la vida de Cristo. Las cuatro escenas de vida, tras Giovanni Nicolao, las cuatro escenas de muerte y resurrección tras Constanza. En el punto medio superior del espejo, la crucifixión.El estudio de infrarojos revela que el espejo inicial tenía ocho escenas en lugar de diez. Las nuevas escenas  de la muerte de Cristo,  aludirían a la muerte de Costanza.
Es de señalar el virtuosismo de Van Eyck pues las escenas del espejo miden milímetros, debiendo pintarse con lupa y pincel finísimo.

Retrato de Giovanni Nicolao.Berlín
2- La ropa de Giovanni Nicolao. Aún faltaban muchos años para que en Flandes el hijo del duque  de Borgoña, contemporáneo a Arnolfini pusiese de moda el negro. De hecho, en el retrato posterior del mismo Giovanni que está en Berlín, aparece con una casaca verde.  

Giovanni Nicolao viste un ropaje lujoso y solemne, terciopelo y remates de marta cibelina, en un color marrón, insólito para la alegre moda masculina del Flandes de su época. Es un hombre de luto. Su rostro refleja tristeza y abatimiento.
3- La ropa de ella, de una riqueza y brillo a la altura de su estatus pero impensable en una escena doméstica, donde las mujeres llevaban otro tipo de ropaje. Los colores no son casuales. El azul y el verde brillante, punto cromático central del cuadro, tenían un significado preciso para los expertos: fe y amor, respectivamente.
 El peinado y tocado de la esposa no corresponde con una novia virgen, era la imagen habitual de las mujeres ya casadas, como sería Constanza tras ocho años de matrimonio, a sus veinte o veintiún años.De nuevo, increíble la maestría con la que a base de veladuras y claroscuros se trabaja la textura del encaje, las finas trenzas del peinado, los pliegues del vestido, la piel , el cinturón, los paños, el cordón de oro del cuello.La trasparencia y luminosidad de la piel.La exactitud de los detalles extraer la personalidad de los personajes. La juventud y expresión de ensimismada bondad de Costanza.


 4-Las manos corregidas. La mano de izquierda de Costanza se apoya protectoramente sobre el vientre, en un gesto típico de las embarazadas de todas las épocas. El gesto no es casual: Van Eyck corrigió expresamente el dibujo original de la mano para que así pareciera, aunque esto no se ha descubierto hasta 1995 cuando la National Gallery encargó el  estudio con rayos infrarrojos.  Hay una larga tradición de pintura flamenca representando mujeres gestantes, reinas, nobles, vírgenes o santas. La gran mortandad de la época en los alumbramientos llevaba a muchas casas nobles a retratar a sus mujeres realmente embarazadas, no fuese a ser su último retrato.
Figura mostruosa tras las manos de Costanza

La figura monstruosa tallada en la silla tras las manos cruzadas de ellos, en lugar de los habituales leones, es como un mal augurio de que la unión pronto se disolvería.


Manos de esposo corregidas
El gesto de la mano del esposo, más que un juramento parece una presentación (Van Eyck corrigió casi terminado el cuadro este detalle). Dicho de otro modo, no se presenta el hecho de jurar matrimonio sino un juramento que ya se hizo en el pasado. En el matrimonio, además se entrelazaban las manos derechas y aquí se ofrece la izquierda además no están enlazadas sino que se sujeta delicadamente la mano de Costanza.


5-El Perro.
Fue añadido después, se ve como las líneas de las tablas del suelo se confunden con el pelo.Los perros se esculpían en las esculturas funerarias a los pies de los amos muertos.Aquí se pinta a los piesde Costanza.De nuevo virtuosismo al pintar el finísimo pelo y la viva mirada. 

6- Alusiones a la maternidad y fecundidad Hay una iconografía clave alrededor de los personajes del cuadro que alude directamente a la maternidad ( la imagen de santa Margarita de Antioquia, patrona de los alumbramientos, tallada en el cabecera de la cama con su dragón clásico a los pies,  es la patrona de embarazadas y de los alumbramientos,) o indirectamente a la fecundidad (las naranjas, y  como en otros cuadros de Van Eyck, las cerezas de la ventana).
Cerezo en la ventana
Las cerezas en el árbol que se ve por la ventana, son incoherentes con los ropajes de los retratados, absolutamente invernales. Tradicionalmente las cerezas  eran una de las frutas del paraíso, asociadas a Eva, la primera mujer, y también a la fertilidad del verano. Las naranjas eran raras y exóticas en Flandes se importaban desde Portugal y eran un artículo de lujo.Nuevamente,con pinceladas milimétricas, se introducen sutilmente en el cuadro estos símbolos. 
Naranjas en la ventana


  Santa Margarita tallada en el cabecero de la cama.

7-El candelabro El candelabro con un solo cirio encendido, pese a ser de día. Una ampliación de la imagen muestra que en realidad había solo otro cirio más, consumido,  quedan restos de cera, el cirio consumido está situado tras Constanza, en paralelo con el cirio encendido. Simbolizaría la vida que se apagó y el cirio encendido la vida de su esposo que sigue ardiendo.En los bodegones flamencos la vela simboliza lo efímero de la vida.
8- Los zapatos
Los zuecos de él, manchados de barro, la perspectiva muy lograda, los de ella rojos, al pie del diván .Van pues descalzos como los que ya han muerto y pisan terreno espiritual.




9-El marco del cuadro. No se conserva el marco original del cuadro .Sabemos, que tras muchas vicisitudes el cuadro llegó a ser propiedad de  Felipe II . Un diplomático alemán tras un viaje a Madrid describe en 1599 el cuadro, destacando unos versos del Arte de Amar de Ovidio caligrafiados en el marco:
Mira lo que prometes: ¿qué sacrificio hay en tus promesas? 
En promesas cualquiera puede ser rico.
No sabemos si estos versos respondían a una interpretación del cuadro, añadidos después, o si siempre formaron parte del marco original escritos por el propio Van Eyck. No hay que descartar que en el marco original ya viniesen los versos de Ovidio escritos por el propio Van Eyck, como era su costumbre en muchas otras obras. Si la historia del Matrimonio Arnolfini es la de Giovanni Nicolao la interpretación de Ovidio es profundamente moral y trascendente, muy acorde a la personalidad de Van Eyck: Giovanni Nicolao fue un hombre adinerado,  hizo una promesa de amor a su esposa, pero con todo su dinero no pudo evitar su muerte, que ocurrió probablemente dando a luz a su hijo. 
No sabemos si, al final esta interpretación sobre simbolismo y personajes se mantendrá o si nuevos descubrimientos darán origen a nuevas interpretaciones, lo que si es cierto es que la obra es fascinante.
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Para saber más:
* E. Panofsky, «Jan Van Eyck’s Arnolfini Portrait», Burlington Magazine, vol.LXIV (March 1934), pp. 117-27.
* L. Seidel, «Jan van Eyck’s Arnolfini Portrait: Business as Usual?», vol. XVI Autumn 1989, pp. 55-86
* Hall, Edwin, The Arnolfini Betrothal: Medieval Marriage and the Enigma of Van Eyck’s Double Portrait. Berkeley, University of California Press, 1994.
* Campbell, Lorne, National Gallery Catalogues: The Fifteenth Century Netherlandish Paintings, London 1998, p. 193.
* Rachel Billinge and Lorne Campbell, The Infra-red Reflectograms of Jan van Eyck’s Portrait of Giovanni(?) Arnolfini and his Wife Giovanna Cenami(?).
* Koster, Margaret L., «The Arnolfini Double Portrait: A Simple Solution»,Apollo Magazine, September 2003, pp. 3-14.




lunes, 13 de febrero de 2017

Giotto la revolución de una nueva forma de pintar

Giotto di Bondone 1267?-1337
Yo soy quien volvió a dar vida a la pintura, arte extinguida
Tuve una mano tan segura como hábil
Y a mi arte sólo le faltó lo que le faltara a la naturaleza.
¿Admiras la soberbia torre que resuena con bronce sagrado?
Según la concebí, así se levantó hacia las estrellas.
En fin, yo soy Giotto ¿para qué decir todo esto?

Mi nombre valdrá como un largo poema
Estas elogiosas palabras están esculpidas en la lápida de Giotto, el pintor que revolucionó la pintura de su tiempo. 
San Francisco recibiendo los estigmas.Giotto
Heredero de la tradición artística de la Edad Media donde prima el simbolismo y las figuras carecen de perspectiva, proporción o realismo, Giotto cambia radicalmente la forma de representar las escenas, dotando a la arquitectura, paisajes y figuras humanas de movimiento y expresividad.Pinta con perspectiva, dotando de carga psicológica a los rostros, sorprendidos, alegres, temerosos, dubitativos, por primera vez las ropas tienen sobras, transparencias, las arquitecturas son reales, con tres dimensiones sentando las bases de lo que sería en el siglo XV el Renacimiento italiano.
 Cuenta Vasari que Cimabue (1240-1302), que por entonces era el maestro Florentino más afamado de su época,iniciador de la escuela florentina del trecento italiano en el año 1276, estando de viaje, al pasar por la aldea de  Vespignano, vió cómo Giotto, que entonces tenía diez años, dibujaba unas ovejas sobre una piedra.Quedando maravillado por el talento natural y pidiendo ver más dibujos, no salía de su asombro,  por lo que propuso  al padre llevar con él al niño para aprender el oficio entrando  así a formar parte de los aprendices en su  famoso taller.Sea cierto o leyenda, sí sabemos que  el joven Giotto participó en las obras de Cimabue, que realizaron varias conjuntamente, viajando por toda Italia, de esta época es la Madonna de Castelfiorentino o la Maestá de Santa Maria dei Servi en Bolonia. Pronto, el alumno superaría al maestro. La ocasión,fue, como se suele decir, estar en el momento adecuado, en el lugar justo. Ese lugar era Asís, -la cuna de San Francisco- y el momento el año 1300.
 Basílica baja Asis.Pinturas por Giotto, Cimabue y Lorenzetti.
Un acontecimiento religioso había sacudido los cimientos de la Iglesia católica en ese período  tan cercano a la vida de Giotto: la aparición de la figura de San Francisco de Asís y los hermanos franciscanos. El santo causó  una auténtica conmoción por su predicación y su testimonio de   pobreza  en una época de cruzadas y de la poderosa orden del temple, donde los papas y cardenales vivían en palacios. Francisco y sus seguidores practican la pobreza extrema, socorren a leprosos, mendigos, recorren los caminos, las ciudades, dejando tras de sí una gran  admiración y muchas conversiones. Al morir el santo, los hermanos franciscanos ya son miles y la orden es conocida en varios países. No es de extrañar que en Asís se encargase la construcción de una basílica  en la que los numerosos  peregrinos pudiesen venerar el sepulcro del Santo. La pintura se le encargó al mejor taller , el de  Cimabue . Giotto tenía 20 años, el maestro, pinta con su taller la parte baja de la iglesia, pero en la parte alta, da libertad creativa  al alumno, para   pintar los frescos que narrasen los principales momentos de la vida del santo. Giotto despliega aquí todo su talento innovador, ya no son escenas de la Biblia sino escenas más cercanas , paisajes conocidos . En la parte alta de la Basílica 25 de los 28 frescos son sin duda de Giotto.
Para poder estudiar a fondo estos frescos recomiendo entrar en http://www.franciscanos.org/buenaventura/menu.htlm, se explica cada fresco según el texto de san Buenaventura. También muy recomendable http://arteinternacional.blogspot.com.es/2010/01/pintura-gotica-italiana-del-treccento_04.html.
Yo  sólo tomaré un par de ejemplos que reflejan el nuevo estilo:


Aquí vemos cómo un  hombre extiende su capa a los pies del santo, los pliegues perfectamente dibujados así como los detalles del suelo , sólo él parece opinar que el joven Francisco merece tal honor, los gestos de los presentes son de sorpresa , de incredulidad, comentan el hecho entre ellos,casi sentimos su rechazo. Al fondo aparece el Templo Romano de Minerva de Asís, con total realismo y perspectiva,lo sabemos  porque este templo todavía existe hoy. Las miradas del hombre y del santo se cruzan,casi notamos la bondad con que parece decir," levántate"...Por primera vez desde hace siglos se pinta con perspectiva, se dota de emoción a los personajes.

En la escena en la que el Papa Inocencio III autoriza al santo su nueva orden mendicante,Giotto   juega con la perspectiva ,creando  una ilusión de profundidad en torno a las figuras que contribuye a la verdad dramática. Aquí, nos presenta además, con toda intención dos grupos opuestos , por un lado, la Iglesia institucional,formal, a la derecha, con sus cardenales y  obispos lujosamente  vestidos y por el otro, la nueva Iglesia emergente,humilde, arrodillada, con su pobreza, obediencia y espiritualidad viva.
Giotto, tenía un carácter muy afable y bondadoso, siendo querido por todos cuantos le trataban. Fue amigo de Dante Alghieri, Boccaccio, le dedica un cuento del Decameron y elogiosas palabras. Fue también muy apreciado por el Rey de Nápoles y por el Papa  Bonifacio VIIIi. Hay muchas anécdotas sobre su talento y buen humor. Se dice que pintó una mosca sobre un retrato con tanto realismo que el maestro Cimabue estuvo un rato intentando espantarla.
Vasari cuenta muchas más  anécdotas de Giotto y tal vez la de su círculo perfecto sea la más famosa.El Papa Bonifacio  envió de Treviso a Toscana a uno de sus cortesanos para enterarse de qué clase de hombre era Giotto y cuáles eran sus obras, pues proyectaba confiarle algunas pinturas en San Pedro. El cortesano, dirigiéndose una mañana al taller de Giotto, el cual estaba trabajando, le expuso el pensamiento del Papa y de qué modo quería valerse de su obra; finalmente, le pidió algún dibujo para enviarlo a Su Santidad. Giotto, que era muy cortés, tomó una hoja de papel en la cual, con un pincel mojado en rojo, apoyando el brazo en el costado para hacer de él un compás y haciendo girar la mano, dibujó un círculo tan perfecto de curva y de trazo que era maravilloso verlo. Hecho esto, dijo, sonriendo, al cortesano: «Aquí está el dibujo». 
Triptico de s.francisco.Giotto

El interlocutor, creyendo que el artista se burlaba, contestó: «¿No he de recibir otro dibujo que éste?» «Basta, y aun sobra con él -repuso Giotto-, enviadlo y veréis si será apreciado». El emisario, viendo que no podía obtener otra cosa, se alejó bastante insatisfecho y preguntándose si Giotto no le había tomado el pelo. Al enviar al Papa los dibujos de otros artistas, con los nombres de quienes los habían ejecutado, le remitió también el de Giotto, refiriendo la forma en que se había empeñado en trazar el círculo sin mover el brazo y sin ayuda de compás. Y el Papa y muchos cortesanos entendidos reconocieron por ese dibujo hasta qué punto Giotto superaba en excelencia a todos los demás pintores de su tiempo.
Beso de s.Joaquín y Santa Ana.Capilla Scrovegni.Detalle


 De esta anécdota, nació la expresión que aún se acostumbra aplicar a los individuos espesos: Tu se' più tondo che l'O di Giotto ( Eres más burdo que la o de Giotto)  . Expresión interesante no sólo por la forma en que nació, sino mucho más por su significado, que consiste en la ambigüedad, pues en Toscana, tondo, además de redondez perfecta, quiere decir pesadez y torpeza de ingenio.
La fama de Giotto va creciendo, se independiza y funda su propio taller, se lo disputan  a parte de papas y  reyes y banqueros.Precisamente un banquero, Scrovegni, le encarga la construcción de una iglesia  aneja a su palacio y allí Giotto llega a la cumbre de su genialidad, pinta 53 frescos dedicados a la vida de la Virgen María, la vida de Jesús y el juicio final.Cada fresco es una obra maestra.Es imposible reflejar aquí cada uno, sus singulares detalles.Recomiendo un video para ver unA VISITA GUIADA POR ESTA CAPILLA 
Podemos considerar la decoración de frescos de ésta capilla como una obra comparable a la de Miguel Ángel en la Sixtina. Toda la capilla aparece decorada de frescos que narran la historia de la Salvación pero enfocada al Nuevo Testamento y utilizando narraciones de los evangelios apócrifos como la historia de San Joaquín y la vida de la Virgen.Llenas de anécdotas y curiosidades, verdaderamente revolucionarias en cuanto a perspectiva, fantasía, color, expresividad, dramatismo... 


"Por ejemplo, en el "Encuentro en la Puerta Dorada", muestra el encuentro entre San Joaquín y Santa Ana, escena en la que Giotto rompe la ley del marco al cortar la imagen del pastor que acompaña a San Joaquín. Los dos rostros se confunden en un beso, expresado con gran ternura por parte del artista. Al mismo tiempo juega con el movimiento expresado en el fluir de mujeres que forman la corte de Ana, pero lo hace con maestría para que las miradas se dirijan a la pareja protagonista de la escena.
Adoración de los magos cappella scrovegni
En  "La Adoración de los Magos" bajo el  establo sencillo que no quiere quitar protagonismo a la escena, los tres Reyes hacen sus ofrendas a los pies del Niño,Baltasar se quita la corona  arrodillándose para besarle. Los pajes  no se amoldan a la ley del marco, contrasta el paje con su humilde ropa con la  ropa de los Reyes, de nuevo Giotto intenta personalizar e individualizar cada personaje. Los camellos eran algo exótico  y posiblemente Giotto no había visto ninguno, ya que tienen ojos azules, patas de caballo y orejas de asno, pero perdonamos al maestro estas licencias.
detalle del infierno del juicio final
Juicio final 
La parte de la capilla dedicada al juicio final, presenta un infierno como el que pintaría años más tarde el Bosco, en su " Jardín de las delicias", con torturas y demonios terroríficos...¿Habría estado el Bosco en Padua antes de cumplir el encargo de Felipe II?.
campanille.Giotto
El propio Scrovegni, temeroso de ir al infierno, (era banquero y su familia había amasado una fortuna enorme mediante la usura), encargó a Giotto la construcción y decoración de esta capilla como remisión de sus pecados.Giotto pinta a Scrovegni ofreciendo la capilla a la Virgen María .
Giotto sigue trabajando incesantemente.Tras vivir en Nápoles en la corte de Roberto de Anjou hasta 1333, regresa a Florencia donde  trabajará como arquitecto dirigiendo las obras del Duomo ( Catedral),  muere en 1937, construyendo il campanille o torre que luego tuvo  que ser rediseñada por Pisano, ya que hubiese caido por el poco espesor de sus muros. Pero siempre será recordado por ser el padre de la pintura moderna,  un hombre humilde, que nunca quiso que se le llamase maestro ni ser conocido por otro nombre que su diminutivo: Giotto (su nombre no lo conocemos a ciencia cierta, posiblemente fuese Ambrogiotto di Bondone). Sin duda uno de los grandes pintores de todos los tiempos. Para saber más, ver este video.