martes, 14 de marzo de 2017

Una chica durmiendo, de Albert Moore.


 Una chica durmiendo, de Albert Moore.
1875, 22,5 x 30,8 cm. Tate Gallery
Ante un cuadro, la imaginación vuela... ¿qué soñará la chica dormida?,¡parece tan cansada!...el ambiente es exótico y decadente, la alfombra de leopardo, los abanicos, las flores y cintas en su pelo, la túnica griega, transparente... escribo estos versos mientras la miro:

Te has quedado dormida y sueñas como sueñan los niños:
paisajes de colores brillantes,
sirenas que cantan, cíclopes y gigantes,
pájaros que vuelan entre nubes de plata,
tesoros,cítaras, un galeón pirata. 
Te has quedado dormida y sueñas.

El cuadro  es de Albert Joseph Moore  y lo pintó en 1875, cuando ya estaba considerado como uno de los pintores ingleses más originales de su época.
 Moore nació en York en 1841. Fue el menor de los catorce hijos del artista  William Moore ( quien, en la primera mitad del siglo XIX, disfrutó de una considerable reputación en el norte de Inglaterra como pintor de retratos y paisajes).Desde su infancia Albert demostró un extraordinario amor por el arte y, alentado por su padre y hermanos, dos de los cuales se convirtieron después en famosos artistas (John Collingham Moore y Henry Moore) pudo empezar a ejercer la profesión con una precocidad poco habitual.Sus primeras obras exhibidas en público fueron dos dibujos que envió a la Royal Academy  a los 16 años, en 1857. Un año más tarde fue admitido  en la  prestigiosa escuela de la Royal Academy, pero tras sólo unos meses de trabajar en ella decidió estudiar de forma independiente. A partir de 1866, tras unos años de aprendizaje y viajes donde puede conocer las esculturas y pinturas clásicas y del renacimiento, así como el arte japonés ,encontramos  en la pintura de Moore un lenguaje propio y original.Por ejemplo, en su obra "Granadas",  ya emergen elementos anacrónicos como las ropas griegas junto a los objetos japoneses.
"Granadas".1866.Albert Moore

 El crítico de arte Lionel Lambourne  compara esta escena con un grabado Uyiko, por los elementos como los mosaicos del suelo, el tapiz que cuelga de la pared , la alfombra de leopardo, la vasija decorada con una carpa roja y la ornamentación del mueble imitan objetos japoneses.





Moore buscó siempre la perfección de la belleza formal, para lo que utilizaba, minuciosamente,  la pintura sobre sus lienzos en forma de finas capas.

Chica durmiendo.Moore.Detalle de rostro


En chica durmiendo, los protagonistas son los sutiles colores,líneas y estampados nos encontramos con elementos  como las telas clásicas, el mas que delicioso jarrón que aparece en el ángulo inferior izquierdo,  el cojín y el abanico,  el efecto de la alfombra de piel de animal,oriente y el exotismo de nuevo presentes .
De gran delicadeza es cómo trata el rostro que descansa sobre  su brazo, la flor que adorna su pelo. el cuerpo forma una  S invertida.
Moore. Chica durmiendo.Detalle flores








Las flores que sobresalen por detrás del sofá ofrecen  un contraste de color vivo en el conjunto en el que dominan los colores pálidos beiges y los azules.

Asimismo, impresionante el tratamiento de las vestiduras clásicas que cubren el cuerpo de la  chica  magníficamente tratadas mediante finos y ligeros pliegues.
Moore.Chica durmiendo.Ropaje y alfombra



 El brillo que obtiene Moore en el tratamiento de las telas lo consigue gracias a que las pinta por capas y termina con un acabado gris, además  de colores claros.
Por último, y aunque no lo parezca inicialmente, el  bellísimo jarrón cuyas flores son las mismas que lleva la joven en el pelo y en el doblez de la tela que aparece detrás de ésta,  nos lleva a considerar la existencia de una diagonal en la que las flores marcan puntos que dan unidad a la composición. 

Moore murió en 1893 en su estudio de la calle Spenser, Westminster.

miércoles, 22 de febrero de 2017

EL MISTERIOSO MAESTRO FLEMALLE Y LAS TRAMPAS DEL DIABLO


En 1898,un grupo de tablas flamencas, de las que se desconocía el autor,  procedentes  del castillo de Flemalle, cerca de Lieja, fueron atribuidas de forma genérica al  "Maestro de Flemalle". Se abre entonces uno de los grandes interrogantes de la pintura flamenca: descubrir quién estaba detrás de este pintor anónimo.El misterio se resuelve en  1909 cuando se  identifica al Maestro de Flemalle con Robert Campin, teoría que se mantiene hasta nuestros días.
"Tríptico de Merode ".Robert Campin.Metropolitan Museum NY.Óleo sobre tabla
 Se trata de un pintor que inicia la nueva pintura flamenca, con óleos sobre tabla que plasmando   los más mínimos detalles, rodea a sus personajes de objetos de la vida diaria pero cargados  de simbolismo, que otorgan un aspecto profano a sus obras.  Se preocupa especialmente  por la luz y el sentido espacial.Está documentado  que en Tournai  dirigió, entre 1410 hasta 1440, un importante taller  y que entre sus numerosos aprendices, estuvieron  Roger van der Weyden y Jacques Daret. Entre 1425 y 1430 pinta el "Tríptico de Merode o tríptico de la Anunciación", donde se pueden observar las principales características de la escuela flamenca de la que se considera fundador.


En la tabla de la derecha aparece San José en su taller.Con una perspectiva un tanto forzada, San José, caracterizado como un noble patriarca, ocupa un escaño rematado por un celosía, mientras se ocupa en realizar taladros en una tabla con un berbiquí. Ante él se coloca una mesa de trabajo sobre la que aparecen numerosos útiles de trabajo descritos con detalle, como una barrena, un martillo, unas tenazas, un formón, una cuchilla, clavos, virutas, etc., que se complementan con la sierra y el hacha de la parte inferior. San  José  está ocupado en elaborar una ratonera, una trampa para el diablo, según las interpretaciones que se hacían de la biblia en el siglo XV. Se creía que para evitar que el Niño Jesús fuese concebido, el diablo había concentrado su atención en José, sin embargo, habría sido un cebo celestial para engañar al demonio, manteniéndolo entretenido mientras el anuncio del ángel y el sí de María cambiarían la historia , el diablo habría caído en una ratonera. Otros autores más eruditos,afirman que las ratoneras son alusivas a la cita de San Agustín: «La cruz del Señor era la ratonera del diablo; el cebo por el que fue capturado fue la muerte del Señor». Otra ratonera también aparece colocada en el exterior de la ventana, adquiriendo de nuevo el significado de un cebo para capturar a Satán, Las interpretaciones de la Biblia que se hacían por aquellos tiempos contaban que para evitar que fuera concebido el niño Jesús, el Diablo había fijado su atención en san José, pero sin embargo en una jugada maestra planeada por Dios, el carpintero había sido el cebo para engañar al demonio, o sea que el mismo Diablo había caído en una ratonera. Pero hay además otros detalles originales, como
el modo de sustentar abiertas desde el techo las puertas y ventanas del taller, dejando visible al fondo una sugestiva panorámica urbana con un caserío de tipo flamenco, dos grandes iglesias y pequeños personajes deambulando por las calles. 
Robert Campin muestra además  en la escena toda una variedad de elaboradas texturas para reproducir distintas maderas de los muebles, del zueco de San José, troncos y virutas, piezas metálicas del hacha y de la sierra,es tan minucioso que vistos de cerca los clavos de las ventanas que  se sujetan al techo tienen marcas de herrumbe. Virtuoso también el modo de tratar las texturas de la ropa del santo .

Las tres tablas fueron pintadas por encargo del matrimonio Engelbrecht,  que aparece retratado en la tabla izquierda como donantes, concebidas para la oración privada del matrimonio que pasarían horas frente a él recreándose en los detalles de la ambientación doméstica con todo su simbolismo y de las ciudades al fondo, más allá de puertas y ventanas.
La parte central describe la Anunciación , su tamaño es el doble de las otras dos que actuaban como batientes que podían cerrarse sobre la principal.

 Robert Campin .Tríptico de Merode .La anunciación .óleo sobre Tabla .64x63 cm.

En esta  tabla central está representado el momento en que el arcángel San Gabriel se aparece a la Virgen para anunciarle que será madre del Mesías, pero María aún no se ha apercibido de la presencia del ángel. Todos los elementos ambientales, que son numerosos, han sido elegidos cuidadosamente para reproducir un interior doméstico verosímil, aunque cada uno de ellos adquiere un valor simbólico relacionado con el contenido de la escena. El espacio reproduce una característica estancia nórdica,tal vez la propia casa de los donantes, la habitación  tiene  una ventana y una alacena al fondo, dos óculos con vidrieras a la izquierda y una gran chimenea a la derecha, con el pavimento enlosado y una techumbre de madera.
La Virgen aparece recostada sobre un banco y sumida en la lectura de un libro sagrado que protege con un paño blanco. En el siglo XV los libros eran un artículo de lujo, las cubiertas se trabajaban con incrustaciones de oro y en ocasiones piedras preciosas de ahí que se protegiesen con un paño al leerlos.Viste una amplia túnica roja que alude al misterio de la Encarnación, con un juego de pliegues cuyos brillos forman una estrella ( una de las advocaciones de la Virgen es la de estrella de la mañana),los pliegues  desparramados por el suelo y minuciosamente tratadas las sombras, se convertirán en una seña de identidad de la incipiente pintura flamenca,,se repiten en la blanca vestidura del arcángel, que aparece vestido como un diácono oficiante, de modo que el hecho adquiere un carácter sacramental de tipo eucarístico que es reforzado por la presencia de una mesa en el centro a modo de altar.
  El pelo de ambos personajes está pintado mechón a mechón, dotando de gran realismo a los rostros, a su vez muy expresivos, el de María concentrada en la lectura, el del ángel con la serenidad y alegría de la buena nueva que traerá su anuncio. 
En los remates del largo banco en que se apoya la Virgen, dispuesto en escorzo, se aprecian unos remates en forma de pequeñas figuras de leones que le confieren el sentido simbólico del trono de Salomón o trono de la Sabiduría, recordando la estirpe de María. Nuevas referencias al Antiguo Testamento pueden ser los dieciséis lados de la mesa, alusivos de los principales profetas hebreos, lo mismo que el rollo con las antiguas profecías que cuelga en ella, sobre el que se coloca el Nuevo Testamento con las páginas abiertas indicando el nacimiento de un tiempo nuevo, señalando el fin de la antigua ley la vela que se apaga con el batir de las alas del ángel, virtuosismo en la forma en que está tratado el humo de la vela recién apagada. El jarro de azucenas representa la virginidad de María, el elemento más convencional de la escena.Un vaso dorado cuelga al fondo, siendo otra advocación mariana la de "vaso de oro"e oro.Menos frecuente es la representación del mensaje divino mediante la pequeña figura del Niño Jesús que portando una cruz ha atravesado el cristal de uno de los óculos "sin romperle ni mancharle".


La tabla izquierda está reservada a los donantes, que aparecen arrodillados ante la puerta de su vivienda, en la que se produce la escena evangélica, según se deduce de los blasones que aparecen en los vitrales de la tabla central. Se trata del matrimonio Petrus Engelbrecht y su esposa, acomodados comerciantes de paños y lana, con negocios en Amberes, Malinas y Luxemburgo. Petrus Engelbrecht y su hermano Hendrik estuvieron implicados en el asesinato de un sacerdote relacionado con uno de sus socios en el negocio, hecho por el que el socio fue ejecutado y los hermanos Engelbrecht encarcelados en Colonia, hasta que fueron liberados, por mediación del duque de Borgoña y el obispo-príncipe de Lieja, bajo el juramento de vivir en paz, siendo reflejado su castigo en un blasón impuesto con una cadena en forma de "V" invertida sobre las armas familiares.

Junto a Petrus Engelbrecht también aparece postrada su primera esposa, dama natural de Colonia cuyo apellido —Schrinemecher (carpintero)— pudo determinar la elección de la escena de la tabla derecha. Era miembro de un rica familia y tras su fallecimiento Petrus Engelbrecht llegaría a contraer nuevas nupcias en dos ocasiones más, una con Heylwich Bille, de Breda, y otra más con Margareta Kempenere, a la que dejó una importante fortuna.
Los esposos donantes se ubican en un patio que precede a la entrada de su residencia, rodeado de un muro almenado en el que se levanta un cuerpo de guardia sobre la puerta, junto a la que aparece un personaje barbado caracterizado como un mensajero ciudadano, en consonancia con el cometido del arcángel de la tabla central. De esta figura el  historiador Helmut Nickel afirmó en 1966 que había sido añadido a la pintura original. Tras la puerta se vislumbra de nuevo un rincón urbano de Malinas, con ciudadanos en las viviendas, una mujer cosiendo en la calle y un  hombre a caballo transitando por ella.    
Creo que queda resumida la maestría y originalidad de este pintor, muy conocido en su época , pero eclipsado en la historia del arte por sus discípulos.
Tiene otras obras fascinantes como  "la Virgen de la pantalla"; " La Natividad", considerada una de sus obras maestras y clave para entender su estilo artístico, "los desposorios de la Virgen"o el "tríptico de Werl" con grandes similitudes con la aquí estudiada y que recoge el espejo convexo como haría Van Eyck en el Matrimonio Arnolfini". Dejo un  video para profundizar más.





viernes, 17 de febrero de 2017

SOROLLA, LA MIRADA DE UN VIAJERO


Sorolla .Autorretrato
Exposición "Tierra Adentro"

Fundación Barrié de la Maza .
La Coruña.
Hasta el 26 de febrero de 2017.

Si algo identifica la pintura de Sorolla es su trabajo al aire libre y en plena naturaleza. Los escenarios de luz intensa de las costas de Valencia y Levante son su referente más conocido;pensamos en Sorolla y enseguida nos vienen imágenes de paisajes pintados a la orilla del mar, vestidos blancos y luz cálida del Mediterráneo. Pero hay un Sorolla más "desconocido" que pinta "tierra adentro", son paisajes de enorme calidad e importancia: estos paisajes interiores sitúan a Sorolla en el contexto general de las inquietudes artísticas del realismo final y también de las corrientes intelectuales renovadoras de la Institución Libre de Enseñanza  y los regeneracionistas españoles.
Sorolla con su esposa Clotilde, pintando al natural.
 
 Sorolla estudió en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, donde ingresó con solo 15 años, allí, estudia el realismo francés y los  “macchiaioli” italianos;  en sus viajes a París entró en contacto con las versiones realistas del “luminismo”, el impresionismo y el postimpresionismo, que él integró a su manera, dentro de la particular estética renovadora del paisaje español de su tiempo.    Tras la fracasada Revolución del 68 y el desastre colonial, tanto los pensadores como los artistas contemporáneos de Sorolla buscaron una imagen nueva de país, alejada de la representación historicista de las glorias pasadas, y la encontraron en el puro paisaje, tanto en las regiones de la periferia peninsular como en la meseta central y de Castilla; en ésta particularmente se descubrió una estética geológica del suelo -según término de Giner- y un espiritualismo en línea con el gusto decadentista europeo. Para ellos, Castilla -sobria, austera y trascendente-  sería la imagen más auténtica de la nación.
Las Covachueleas.Toledo, 1906
 Inmerso en aquella cultura, y en contacto con gran parte de sus protagonistas, Sorolla dio nuevas versiones a los diversos paisajes españoles, profundizando en su nuevo sentido y significación, desde los de la Alhambra deshabitada a aquellos de los campos desolados y viejas ciudades castellanas, que descubrió en compañía de Aureliano de Beruete, magnífico pintor de paisaje e ilustre institucionista.

Hoy os comento una exposición de paisajes de Sorolla que vi el finde pasado en La Coruña, está  dedicada a estos paisajes que pintó Sorolla en su recorrido por España .Son  67 cuadros y se divide en cuatro apartados:

PRIMERO- MITOLOGÍA REGIONALISTA Y NATURALEZA
  • Después de formarse en Valencia, donde sus maestros lo animaron a pintar del natural, y tras sus años de estudio en Italia, Sorolla se estableció en Madrid, pero nunca dejó de pasar temporadas en Valencia, donde la temática de sus obras de juventud representa el interés por lo popular que fue característico del fin de siglo. Los pinceles de Sorolla se centran en su ciudad, en el puerto de Valencia, en sus playas, sus plazas y puentes y no olvidan el campo valenciano: la huerta, las alquerías y las barracas con su peculiar arquitectura popular.

Valencia.Puente del Real.1908
 
Segundo-Sorolla en verde y gris 
Paisaje de Guipuzcoa.1911
Paisaje de San Sebastian
  • Sorolla viajó durante muchos veranos al norte de España.
  •  En Asturias, (concretamente en  Muros del Nalón),   se unió a la colonia de paisajistas que había organizado el pintor asturiano Tomás García Sampedro siguiendo el modelo de la escuela francesa pintura al pleinair de Barbizon. Y con su familia pasaría muchos veranos en San Sebastián, Zarautz y Biarritz.En el norte, la luz más gris del Cantábrico y los verdes brillantes de los prados de Asturias dieron  a su pintura otras tonalidades.
  •  Algunas de las escenas son de la realidad cotidiana, de gran belleza plástica,  íntimas, momentos de quietud como en "Paisaje de San Sebastian"o de descanso, como en  " la siesta" donde el pintor capta el momento veraniego desde una perspectiva original, los verdes brillantes de la hierba soleada contrastan con las sombras más oscuras y las ropas blancas de la familia del artista que duerme o lee ajena a su mirada.
  • La Siesta.1911( detalle)
Tercero La invención de Castilla como emblema nacional
 

Sorolla recorrió Castilla en múltiples viajes y se unió a la fascinación por su paisaje que sintieron los escritores de la Generación del 98. Un paisaje inexplorado hasta entonces como tema en la pintura, pero que emocionaría a toda una generación de escritores y artistas con el descubrimiento de su carácter sublime y su poética del vacío.
Sorolla representa Castilla sin perder su natural sensibilidad para la captación de la luz y sin dejar de hacer "Sorollas".

 Pinta sus ciudades monumentales -Toledo, Ávila, Burgos-( magníficas sus  catedrales nevadas) y también su naturaleza, centrándose en las nubes y sus transformaciones, y en las luces cambiantes del cielo.Como en este magnífico "arcoiris"(mi favorito de esta exposición junto con "la siesta").En foto no se aprecia, pero en persona ver ese arco iris cruzando el cielo emociona
Sorolla.El Arcoiris.El Pardo 1907


 


 
La Alhambra.1909
 
CUARTO 
La “España blanca”  una versión moderna de la invención romántica 
 
Durante un rápido viaje en 1902 llega Sorolla por primera vez a Andalucía, a la que habría de volver muchas veces en los años sucesivos.

 
Alejándose del tópico todo lo posible, Sorolla busca la autenticidad de aquellas tierras. En Sevilla pinta sus jardines, pero  también los paisajes insólitos de sus zonas secas donde solo prosperan las chumberas; en Jerez, los inmensos viñedos que le ofrecen un puro espectáculo de color. Granada le impacta profundamente: a sus barrios, a su Sierra Nevada y a la Alhambra dedicó hasta 47 paisajes en tres viajes en 1909, 1910 y 1917, siempre a finales del otoño o en pleno invierno, siempre solitarias, melancólicas, con la hondura de una visión enteramente personal.

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Recomiendo pasar por la exposición y contemplar personalmente la luz que trasmiten estos cuadros más desconocidos de Sorolla. Si no es posible , pertenecen al Museo Sorolla, así que cuando estas maravillosas obras estén de vuelta en Madrid, podrán verse en la que fue casa del pintor en la calle General Martínez Campos, 37Web
http://museosorolla.mcu.es/Precio de la entrada: 3 €



jueves, 16 de febrero de 2017

Van Eyck: simbolismo y realismo en la Virgen del Canciller Rolin

Con la Virgen del Canciller Rolin nos ofrece Van Eyck una obra maestra en la historia de la pintura, mucho más que un retrato, mucho más que un cuadro religioso. Con esta obra Van Eyck despliega lo mejor de su técnica portentosa, es una de sus pinturas más complejas en lo compositivo y lo simbólico.La minuciosidad con que trata cada detalle solo es posible apreciarse mediante una observación ampliada ya que la obra es de tamaño reducido (66 x 62cm), aún asombra seiscientos años después a cualquier estudioso del arte. Todos los problemas que se plantean en siglos posteriores se encuentran ya aquí: la luz exterior e interior, el paisaje y la figura humana, lo real y lo simbólico, la forma y el color, las texturas y materiales.
Jan van Eyck.La Virgen del canciller Rolin.Oleo sobre tabla.66cm x 62.Museo del Louvre.

A simple vista se trata del retrato de un hombre orando ante la Virgen coronada por un ángel, en el interior de una capilla, situado en el mismo plano que ésta, en simetría, ella sentada en un cojín de ricos brocados, sobre un banco de madera, él sobre un reclinatorio.La galería de columnas se abreen primer lugar a un jardín, seis escalones conducen a una muralla de un castillo que está en alto, de modo que desde él se percibe un paisaje sobre una ciudad y luego sobre una campiña cruzada por un río serpenteante y muy al fondo montañas nevadas.
La perspectiva presenta un único punto de fuga en el horizonte, la lejanía se logra mediante las losas del suelo, las columnas, el punto de vista elevado y el color que se atenúa en la lejanía y se intensifica en los planos cercanos.




Solo si nos acercamos a los detalles descubriremos animales simbólicos, personajes que pueblan plazas y mercados, que asisten a la iglesia, campesinos que trasportan  sus mercancías en carros, una casa que arde, un castillo defendido por centinelas, gentes que viajan en barca, mujeres que se reúnen en sus casas, monasterios, viñedos.

Sería muy extenso referirme a cada detalle, me centraré en algunos que me fascinaron.

El canciller Rolín.Es retratado con gran realismo.El pelo cortado a la moda de entonces, rapado en los laterales.Las venas palpitando en sus sienes, la mirada desafiante y orgullosa, un hombre enérgico,que levanta la vista de su misal y mira a la Virgen sin asombro.Viste ricamente una túnica brocada rematada en visón, y ceñida con  un cinturón con hebilla de oro, reza ante un misal miniado, un verdadero artículo de lujo, el separador de hojas es una joya de oro y perlas. Se resalta la riqueza del personaje, el más poderoso en la corte después del duque de Felipe el Bueno. Debajo de él pavos reales, símbolo de lo eterno, pero también animales orgullosos.Viñedos, iglesia  y un monasterio como los donados por el canciller a su ciudad natal de Autun. Por primera vez en la Historia del arte el personaje del donante aparece del mismo tamaño que el personaje celestial, se sitúa a su altura en vez de debajo de un altar, mira de frente y no hacia arriba .
Algunos críticos señalan que es un monumento a la soberbia de Rolín, una osadía sin precedentes. No estamos ante un alarde de soberbia del canciller.Los rayos infrarrojos revelan en la pintura inicial una faltriquera repleta de monedas que luego fue suprimida en la versión final.Además los rayos infrarrojos revelan otra modificación : el niño Jesús está bendiciendo al canciller, en la versión original no. Sin duda esto fueron correcciones sugeridas por el cliente. Nicolás Rolín aparece sí,  satisfecho de si mismo,razones tenía.De origen humilde, se hace a sí mismo, primero fue abogado de Juan sin Miedo, tras su asesinato, es nombrado canciller por su hijo, Felipe el Bueno y ahor  está en la cumbre de su éxito político,un año antes de pintarse este cuadro gracias a su intervención , Borgoña  firma el tratado de Arras.Pero en la mentalidad de la época, no estaba reñido el ser poderoso con ser religioso.El cuadro estaba destinado a la capilla particular del  palacio del canciller.Posiblemente rezase sinceramente a diario ante esta Virgen una vez terminada.


Detalle del retrato del canciller Rolin

Se ha especulado mucho sobre si es real el  paisaje que se ve tras los personajes, algunos ven la ciudad de Lieja, Utrech o la misma Autun,  pero cabe concluir  que   más bien  se trata  de una ciudad ideal construida a partir de edificios que podrían basarse en edificios reales con significado en la biografía de Rolín. Por ejemplo,así como los viñedos y monasterio aludirían a Autun,  el  puente alude al puente de Montereau donde fue asesinado Juan Sin Miedo,del que Rolín era abogado y que más adelante  entró en el acuerdo de paz (Tratado de Arras) que el canciller Rolin logró entre Borgoña y Francia.
 Las ventanas de las casas, las hojas de los árboles, las huertas, la plaza con su gente, los milimétricos personajes del puente, sus reflejos en el agua, sus carruajes, cada uno vestido diferente, solo pueden apreciarse mediante una ampliación mayor de la imagen , sin duda pintados con filamentos especiales  y la nueva técnica de pintura al óleo, una técnica basada en la disolución de pigmentos en aceite, que fue perfeccionada por los hermanos Van Eyck, hasta el punto de que llegó a atribuírseles erróneamente su invención. El óleo presenta claras ventajas sobre la pintura al temple que era la técnica usada hasta entonces:es más transparente y luminoso, por ello permite un mejor tratamiento de la perspectiva, del aire y de la luz; al ser más consistente, los objetos se pueden representar con mayor exactitud; y seca más despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego, algo que Van Eyck necesitaba para pintar sus microscópicos detalles. 


Detalle del paisaje con el puente.
A la derecha, tras la Virgen María,  el paisaje es más urbano, lleno de iglesias, con una catedral, se aprecia la gente en las escalinatas, dirigiéndose a misa y un mercado en la girola, con sus puestos y vendedores.

Detalle del paisaje urbano
Hay estudiosos que ven una alegoría de la ciudad de Dios de San Agustín. De nuevo el magnífico preciosismo en el detalle, recordemos que todo se concentra en pocos centímetros como en  las miniaturas medievales, pero con una precisión nunca lograda hasta este momento, gracias al óleo y al talento de Van Eyck.
En jardín interior de las murallas alegoría del huerto bíblico que alude a la virgen María, las flores también símbolos de la pureza de María, azucenas,lirios blancos ...lo que a mi me intriga y no he encontrado explicación es a esos conejitos aplastados en la base de la columna, como queriendo escapar del peso de la misma...
Otro elemento interesante son los capiteles de encima del canciller, se pueden apreciar distintas escenas del Antiguo Testamento,como la expulsión de Adán y Eva del Paraíso,el asesinato de  Caín y Abel o Noé borracho y desnudo tapado por uno de sus hijos, unos dicen que es una advertencia del pintor al canciller por sus pecados, otros que un contraste entre la humanidad pecadora  del Antiguo Testamento y el mundo de virtud y gracia de Dios que instaura la venida de Dios y que encarna la Virgen María como primera persona de la humanidad inmaculada y sin pecado original.Yo me inclino por esta última interpretación, Jan  Van Eyck era,  como Rolín , uno de los  hombres de confianza de Felipe el Bueno, formaba parte de la Corte, incluso acudió en misión diplomática a Portugal, esta faceta diplomática no casa con un desafío y casi insulto a Rolín,sugiriendo múltiples pecados cometidos por éste, en un cuadro además encargado personalmente  por él y destinado a su devoción particular.
En paralelo a Rolín y a las alusiones a su poder y riqueza, la figura de la Virgen lleva en el lujoso  manto de la  alrededor bordadas unos fragmentos bíblicos del libro del Antiguo Testamento que dicen "Soy exaltada como los Cedros del Líbano" en alusión a su Majestad y un ángel sostiene sobre su cabeza una corona cuajada de perlas y piedras preciosas.De nuevo si ampliamos vemos  detalles minuciosos, imperceptible a los ojos...la transparencia de las esmeraldas, el brillo de las perlas, el engarce,  cientos de minúsculas pinceladas.


.Las alas desplegadas del ángel recogen toda la gradación cromática del rojo y del azul, el pelo del ángel casi parece flotar, de nuevo un cuadro dentro del cuadro...




Detalle de la corona de la Virgen y del ángel

En fin, son tantos y tantos los detalles que es imposible comentarlos todos.

Para ver muchos más sobre los símbolos y secretos de esta  maravillosa e inabarcable obra  y además narrados por un  gran experto en historia del arte,Alain Jaubert, recomiendo ver el documental  " Milagro en la Logia", documental imprescindible para conocerla  de cerca ( incluso mejor que ir en persona al Louvre, donde os digo que entre los japoneses que se apelotonan y la falta de tiempo yo pasépor ella casi sin darme cuenta) :).







miércoles, 15 de febrero de 2017

Van Eyck : el misterio del cuadro el matrimonio Arnolfini.

Mira lo que prometes: ¿qué sacrificio hay en tus promesas? 
En promesas cualquiera puede ser rico.
Jan Van Eyck.Autorretrato

Durante siglos se creyó que la obra maestra de Van Eyck "el matrimonio Arnolfini",pintado en 1434, era un retrato de Giovanni  di Arrigo Arnolfini  un rico banquero de la Toscana asentado en Brujas y su esposa Giovanna Cenami.   Pero en 1990, , un investigador francés de la Sorbona, Jacques Paviot, descubre en el archivo de los duques de Borgoña el documento oficial de matrimonio de Giovanni Arnolfini datado en 1447: trece años después de que fuese pintado el cuadro, seis años después de que muriese Jan van Eyck. Caen por tierra numerosas investigaciones sobre el simbolismo del cuadro, se sostenía  por los principales historiadores ( Panofsky, principalmente) que  era una especie de "acta matrimonial", con dos testigos  reflejados en el espejo del fondo, pero si no es así,  entonces ¿quiénes son los retratados?,  ¿qué intención tiene el cuadro? ¿ qué simbolizan los objetos? .La propia National Gallery de Londres encarga un estudio de infrarrojos para arrojar algo de luz en las nuevas investigaciones...la polémica está servida.
Pero vayamos por partes.
Matrimonio Arnolfini.Oleo sobre tabla. 82cmX60cm.Londres, National Gallery
Una mirada de conjunto al cuadro muestra dos personajes  lujosamente vestidos  que entrelazan sus manos en el interior de una habitación de una  casa acomodada.La luz viene de una ventana lateral, de una lámpara en el techo y de una  tercera fuente frontal que no se ve en el cuadro . Van Eyck de forma intuitiva da sensación de profundidad mediante los tablones del suelo y el entramado de madera del techo, formando una caja perfecta.
Detalle dentro del espejo.
Al fondo un espejo, fascinante y lleno de simbolismo, como veremos enseguida , refleja deformado lo que no se ve de la habitación y en él se reflejan dos misteriosos personajes que se encuentran frente al matrimonio y al perro, en el lugar donde estamos los espectadores del cuadro.Uno de los personajes  es el propio Van Eyck ya que en la pared del fondo pone :"Van Eyck, estuvo aquí, 1934".
Este recurso genial del espejo es utilizado por Van Eyck para ofrecernos otra perspectiva, revelarnos lo que no se ve. Sería más adelante utilizado por grandes maestros,influidos por Van Eyck,  como Velázquez en sus Meninas o en la Venus del espejo. 
Tras el estudio de infrarrojos , la hipótesis más coherente es que en el cuadro los retratados son Giovanni di Nicolao, primo de Giovanni Arnolfini. De él hay constancia de que ya vivía en Brujas hacia 1419. En 1426 se casa con Constanza Trenta, de la Toscana como los Arnolfini,  tenía  trece años el día de su boda. Cuando Van Eyck pinta el cuadro, tendría unos 21 años. Constanza Trenta era sobrina de Lorenzo de Médicis.  Se conserva un documento clave en la reinterpretación de la obra de Van Eyck: en 1433, Bartolomea, madre de Constanza, escribe a su cuñado Lorenzo de Medicis una carta familiar, donde expresamente habla del fallecimiento de Constanza, un año antes de la finalización del cuadro. Todo apunta a que el cuadro se comenzó estando Costanza embarazada y que se terminó cuando ésta había muerto en el parto de su hijo.Un homenaje y un recuerdo a su esposa y al hijo perdidos.
Varios elementos  y el estudio de infrarrojos de las imágenes que fueron corregidas por el pintor en la versión final,  apoyan esta teoría( que no es la única).Todos los elementos que Van Eyck añadió sobre la marcha son los directamente relacionados con la maternidad, la fecundidad y las posibles alusiones a la muerte de Constanza,
1- El espejo.


Detalle del espejo versión final.
Espejo visto por infrarrojos
 En la versión final el marco del espejo presenta  diez escenas de la vida de Cristo. Las cuatro escenas de vida, tras Giovanni Nicolao, las cuatro escenas de muerte y resurrección tras Constanza. En el punto medio superior del espejo, la crucifixión.El estudio de infrarojos revela que el espejo inicial tenía ocho escenas en lugar de diez. Las nuevas escenas  de la muerte de Cristo,  aludirían a la muerte de Costanza.
Es de señalar el virtuosismo de Van Eyck pues las escenas del espejo miden milímetros, debiendo pintarse con lupa y pincel finísimo.

Retrato de Giovanni Nicolao.Berlín
2- La ropa de Giovanni Nicolao. Aún faltaban muchos años para que en Flandes el hijo del duque  de Borgoña, contemporáneo a Arnolfini pusiese de moda el negro. De hecho, en el retrato posterior del mismo Giovanni que está en Berlín, aparece con una casaca verde.  

Giovanni Nicolao viste un ropaje lujoso y solemne, terciopelo y remates de marta cibelina, en un color marrón, insólito para la alegre moda masculina del Flandes de su época. Es un hombre de luto. Su rostro refleja tristeza y abatimiento.
3- La ropa de ella, de una riqueza y brillo a la altura de su estatus pero impensable en una escena doméstica, donde las mujeres llevaban otro tipo de ropaje. Los colores no son casuales. El azul y el verde brillante, punto cromático central del cuadro, tenían un significado preciso para los expertos: fe y amor, respectivamente.
 El peinado y tocado de la esposa no corresponde con una novia virgen, era la imagen habitual de las mujeres ya casadas, como sería Constanza tras ocho años de matrimonio, a sus veinte o veintiún años.De nuevo, increíble la maestría con la que a base de veladuras y claroscuros se trabaja la textura del encaje, las finas trenzas del peinado, los pliegues del vestido, la piel , el cinturón, los paños, el cordón de oro del cuello.La trasparencia y luminosidad de la piel.La exactitud de los detalles extraer la personalidad de los personajes. La juventud y expresión de ensimismada bondad de Costanza.


 4-Las manos corregidas. La mano de izquierda de Costanza se apoya protectoramente sobre el vientre, en un gesto típico de las embarazadas de todas las épocas. El gesto no es casual: Van Eyck corrigió expresamente el dibujo original de la mano para que así pareciera, aunque esto no se ha descubierto hasta 1995 cuando la National Gallery encargó el  estudio con rayos infrarrojos.  Hay una larga tradición de pintura flamenca representando mujeres gestantes, reinas, nobles, vírgenes o santas. La gran mortandad de la época en los alumbramientos llevaba a muchas casas nobles a retratar a sus mujeres realmente embarazadas, no fuese a ser su último retrato.
Figura mostruosa tras las manos de Costanza

La figura monstruosa tallada en la silla tras las manos cruzadas de ellos, en lugar de los habituales leones, es como un mal augurio de que la unión pronto se disolvería.


Manos de esposo corregidas
El gesto de la mano del esposo, más que un juramento parece una presentación (Van Eyck corrigió casi terminado el cuadro este detalle). Dicho de otro modo, no se presenta el hecho de jurar matrimonio sino un juramento que ya se hizo en el pasado. En el matrimonio, además se entrelazaban las manos derechas y aquí se ofrece la izquierda además no están enlazadas sino que se sujeta delicadamente la mano de Costanza.


5-El Perro.
Fue añadido después, se ve como las líneas de las tablas del suelo se confunden con el pelo.Los perros se esculpían en las esculturas funerarias a los pies de los amos muertos.Aquí se pinta a los piesde Costanza.De nuevo virtuosismo al pintar el finísimo pelo y la viva mirada. 

6- Alusiones a la maternidad y fecundidad Hay una iconografía clave alrededor de los personajes del cuadro que alude directamente a la maternidad ( la imagen de santa Margarita de Antioquia, patrona de los alumbramientos, tallada en el cabecera de la cama con su dragón clásico a los pies,  es la patrona de embarazadas y de los alumbramientos,) o indirectamente a la fecundidad (las naranjas, y  como en otros cuadros de Van Eyck, las cerezas de la ventana).
Cerezo en la ventana
Las cerezas en el árbol que se ve por la ventana, son incoherentes con los ropajes de los retratados, absolutamente invernales. Tradicionalmente las cerezas  eran una de las frutas del paraíso, asociadas a Eva, la primera mujer, y también a la fertilidad del verano. Las naranjas eran raras y exóticas en Flandes se importaban desde Portugal y eran un artículo de lujo.Nuevamente,con pinceladas milimétricas, se introducen sutilmente en el cuadro estos símbolos. 
Naranjas en la ventana


  Santa Margarita tallada en el cabecero de la cama.

7-El candelabro El candelabro con un solo cirio encendido, pese a ser de día. Una ampliación de la imagen muestra que en realidad había solo otro cirio más, consumido,  quedan restos de cera, el cirio consumido está situado tras Constanza, en paralelo con el cirio encendido. Simbolizaría la vida que se apagó y el cirio encendido la vida de su esposo que sigue ardiendo.En los bodegones flamencos la vela simboliza lo efímero de la vida.
8- Los zapatos
Los zuecos de él, manchados de barro, la perspectiva muy lograda, los de ella rojos, al pie del diván .Van pues descalzos como los que ya han muerto y pisan terreno espiritual.




9-El marco del cuadro. No se conserva el marco original del cuadro .Sabemos, que tras muchas vicisitudes el cuadro llegó a ser propiedad de  Felipe II . Un diplomático alemán tras un viaje a Madrid describe en 1599 el cuadro, destacando unos versos del Arte de Amar de Ovidio caligrafiados en el marco:
Mira lo que prometes: ¿qué sacrificio hay en tus promesas? 
En promesas cualquiera puede ser rico.
No sabemos si estos versos respondían a una interpretación del cuadro, añadidos después, o si siempre formaron parte del marco original escritos por el propio Van Eyck. No hay que descartar que en el marco original ya viniesen los versos de Ovidio escritos por el propio Van Eyck, como era su costumbre en muchas otras obras. Si la historia del Matrimonio Arnolfini es la de Giovanni Nicolao la interpretación de Ovidio es profundamente moral y trascendente, muy acorde a la personalidad de Van Eyck: Giovanni Nicolao fue un hombre adinerado,  hizo una promesa de amor a su esposa, pero con todo su dinero no pudo evitar su muerte, que ocurrió probablemente dando a luz a su hijo. 
No sabemos si, al final esta interpretación sobre simbolismo y personajes se mantendrá o si nuevos descubrimientos darán origen a nuevas interpretaciones, lo que si es cierto es que la obra es fascinante.
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Para saber más:
* E. Panofsky, «Jan Van Eyck’s Arnolfini Portrait», Burlington Magazine, vol.LXIV (March 1934), pp. 117-27.
* L. Seidel, «Jan van Eyck’s Arnolfini Portrait: Business as Usual?», vol. XVI Autumn 1989, pp. 55-86
* Hall, Edwin, The Arnolfini Betrothal: Medieval Marriage and the Enigma of Van Eyck’s Double Portrait. Berkeley, University of California Press, 1994.
* Campbell, Lorne, National Gallery Catalogues: The Fifteenth Century Netherlandish Paintings, London 1998, p. 193.
* Rachel Billinge and Lorne Campbell, The Infra-red Reflectograms of Jan van Eyck’s Portrait of Giovanni(?) Arnolfini and his Wife Giovanna Cenami(?).
* Koster, Margaret L., «The Arnolfini Double Portrait: A Simple Solution»,Apollo Magazine, September 2003, pp. 3-14.